L'elemento popolare così caro al Romanticismo percorre gran parte della musica dell'800 ed emerge nei
lieder (canzoni di origine popolare) di Schubert e Schumann, nelle
mazurke di Chopin, nelle
rapsodie di Liszt e di Brahms, ma si afferma prepotentemente, a partire dalla seconda metà del secolo, nelle scuole nazionali.
Nei paesi oppressi dalle dominazioni straniere, il desiderio di indipendenza e di libertà di esprime anche nel linguaggio musicale, che va alla riscoperta delle proprie tradizioni di musica popolare e mette a punto un nuovo repertorio nazionale basato su di esse.
Le “Scuole nazionali”
Nella seconda metà dell’Ottocento abbiamo il fiorire delle cosiddette “Scuole nazionali” , frutto di
esigenze diversificate, anche se riconducibili in vario modo sia alla ricerca delle matrici etniche di
vari popoli europei che all’esigenza di una rivincita sull’egemonia musicale tedesca, affermatasi
alla fine del Settecento con la cosiddetta “triade classica” viennese e confermatasi incontrastata col
Romanticismo: in alcuni paesi, come la Russia, troviamo anche una forte motivazione al riscatto
sociale, in altri, come la Boemia e l’Ungheria, troviamo una concreta aspirazione all’indipendenza
politica dall’impero austro-ungarico; in altri ancora, come i paesi nordici, si evidenzia una ricerca
del colore ambientale. Da una tale ricerca scaturisce una musica che contiene elementi di
ispirazione popolare, ma “colta” a tutti gli effetti: non si tratta assolutamente di musica popolare.
Russia
La nascita della cosiddetta “scuola nazionale russa” coincide con il tardivo risveglio di una
coscienza nazionale a lungo sopita, nelle classi più elevate, a seguito di un secolare vassallaggio
culturale francese. Se la letteratura russa vanta scrittori come Turgenev, Dostoevskij, Tolstoj, la
musica si avvale di compositori come Michail Glinka (1804- 1857) padre del melodramma
nazionale russo, con l’opera “Una vita per lo zar”; protagonista è il popolo, rappresentato dalla
massa corale.
Il Gruppo dei Cinque: Nikolaj Rimskij Korsakov e Modesto Musorgskij
Il Gruppo dei Cinque fu fondato a Pietroburgo nel 1856 da Balakirev e da Cui; questi musicisti, a
cui si unirono Musorgskij nel 1857, R. K. nel 1861 e Borodin nel 1862, si impegnarono a creare,
sull’esempio di Glinka, le basi di una musica nazionale russa libera dalle forme accademiche ed
ispirata al folklore ed al canto liturgico russo. All’interno del gruppo, che fu affiancato dal
compositore Dargomižskij e dal critico Stasov, R. K. ebbe la duplice funzione di compositore
autonomo nell’elaborare una personale visione del nazionalismo russo nel teatro musicale, e di
custode ed organizzatore della disordinata attività musicale di Musorgskij e Borodin. In effetti il
Gruppo dei Cinque, nonostante gli sforzi di Balakirev e di Stasov per definire un ideale nazionale,
non era particolarmente coeso, ma al suo interno si delineavano delle personalità e dei percorsi
artistici differenziati: Borodin seguì in modo molto moderato i principi antioccidentali di Balakirev
e compose musiche cameristiche legate allo stile occidentale classico- romantico; la sua opera
principale, Il principe Igor, alla quale lavorò per 17 anni, rimase incompiuta e fu completata da R.
K.; Musorgskij fu fedele allo sperimentalismo antioccidentale, che approfondì in campo teatrale
con le opere Il Matrimonio e soprattutto Boris Godunov, ispirato all’omonimo dramma di Puskin, e
Kovancina. Dopo la sua morte prematura R. K. revisionò e ripropose una propria ristrumentazione
delle ultime due opere citate, per renderle più fruibili al pubblico, eliminando dissonanze e
raddolcendo armonie troppo crude, da lui interpretate come deficienze tecniche e successivamente
rivalutate come anticipatrici del linguaggio musicale novecentesco. R. K. ebbe il grande merito di
aver contribuito alla diffusione in patria ed all’estero, soprattutto in Francia, delle due opere, grazie
anche alla sontuosità dell’orchestrazione, che le avvicinava allo spirito del grand-opéra, allora
dominante anche in Russia. Nell’attività di revisore di R. K. sono evidenti le sue convinzioni
riguardo alla necessità di una preparazione musicale più solida di quella che gli era stata fornita in
gioventù e che era stata alimentata dai consigli abbastanza liberi e spregiudicati di Balakirev,
propugnatore di una sorta di dilettantismo musicale non condizionato dall’accademismo
occidentale: Balakirev definiva Bach una macchina per comporre, mentre R. K. maturò la
convinzione che il contrappunto fosse il linguaggio poetico di questo geniale musicista e che tutta la
musica contemporanea gli fosse debitrice. L’amore per il bel suono e per la perfezione in senso
classico erano estranei allo stile di Musorgskij ma non a quello di R. K., che si avvalse della guida
di Čajkovskij e dei principali trattati di armonia occidentali, approfondendo la tecnica degli
strumenti a fiato e ricavando una abilità di strumentazione sbalorditiva. In tal modo egli divenne,
per un verso, una sorta di consulente tecnico del Gruppo dei Cinque, per un altro verso fu
l’intermediario fra le tendenze nazionalistiche del gruppo e le influenze occidentali. Nominato, nel
1871, direttore del Conservatorio di Pietroburgo e, nel 1874, direttore della Scuola libera di musica
fondata da Balakirev, proseguì nell’apertura verso la musica occidentale introducendola nelle
stagioni concertistiche della scuola stessa, denominate “concerti russi”, che portò anche a Parigi. In
tal modo egli fu il tramite culturale fra i due mondi occidentale e russo e le relative musiche.
In questa sua posizione intermedia egli costituisce un anello insostituibile di quel rapporto di
influssi reciproci che legò l’impressionismo francese e la nascente scuola russa; questo rapporto
culminerà, ai primi del Novecento, nell’eclettismo di Stravinskij, che fu suo allievo per la
strumentazione.
La tecnica orchestrale di R. K., a differenza di quella wagneriana, che somma i timbri orchestrali e
li subordina alla linea melodica, dando ad essa minore o maggiore volume, preferisce invece
frazionare la massa strumentale in timbri singoli puri, esaltandoli anziché confonderli nell’impasto
orchestrale, creando suggestioni di tipo impressionista ed anticipando in questo senso Debussy.
Sono mirabili esempi di questa tecnica la Suite sinfonica Shéhérazade, ispirata alle Mille e una
notte,( v. la Guida all’ascolto) e l’Ouverture della Grande Pasqua russa, composte entrambe nel
1888.
Nota: in occasione del centenario della morte di Rimskij-Korsakov abbiamo avuto modo di
assistere a Cagliari alla rappresentazione dell’opera: La leggenda della città invisibile di Kitež e
della vergine Fevronia. Insieme a Il gallo d’oro, è la più famosa opera di R. K., rappresentata per
la prima volta a Pietroburgo il 20 Febbraio 1907. La sua musica è basata su ritmi e melodie attinti al
canto popolare russo e soprattutto sulla monodia liturgica ortodossa, elaborati in una sontuosa
cornice orchestrale che esalta con forti suggestioni il tono mistico della leggenda popolare. L’opera
attinge i suoi temi dalla ricca messe di fiabe russe, il cui clima favoloso si intreccia con gli elementi
realistici derivanti dalla tradizione letteraria (come nelle precedenti La fanciulla di neve, del 1882,
Sadko, del 1898).
Nota 2: Tra le opere non teatrali di Musorsgkij ricordiamo il poema sinfonico “Una notte sul
Monte Calvo” e, soprattutto, la Suite pianistica “I quadri da un’esposizione”, famosa anche nella
trascrizione orchestrale realizzata, nel ‘900, da Maurice Ravel.
Pëtr Il’ič Čajkovskij
Un discorso a parte merita Pëtr Il’ič Čajkovskij (1840- 1893), compositore tipicamente
tardoromantico di ispirazione europea, vicino sia all’anima russa che alla cultura e alla musica
occidentale, amante di Mozart come di Glinka, docente al Conservatorio di Mosca, artista e uomo in
perenne conflitto fra il desiderio di una vita normale (che tentò di realizzare nel matrimonio) e la
tendenza all’omosessualità, morto non si sa ancora se di colera o per volontà suicida.
Eleganza e forte espressività caratterizzano tutte le sue opere: ricordiamo le Sinfonie, specie la
Quarta, la Quinta e la Sesta “Patetica”, di tipo programmatico; le opere sinfoniche di ispirazione
letteraria, fra cui l’Ouverture su “Romeo e Giulietta”; i celeberrimi balletti, fra cui “Il lago dei
cigni”, “La bella addormentata”, “ Lo schiaccianoci”; fra le opere teatrali, “Eugenio Onegin” e
“La dama di picche”.
Di C. ascoltiamo il celebre Concerto per pianoforte e orchestra n.1, soprannominato “Varsavia”.
Fonte: magistralinuoro.it
